Les Cahiers Vidéoludiques

L'année 2008 est sans nul doute à marquer d'une pierre blanche pour sa floraison de revues consacrées au jeu vidéo. Depuis le 20 octobre 2008, les Éditions Pix'N Love ont mis en circulation une nouvelle revue... Les Cahiers du jeu vidéo ! Son propos est d'offrir une série d’ouvrages réalisés autour d’un thème précis (nous citons). Le premier numéro, lui, est consacré à la thématique de la guerre dans le jeu vidéo. Le sommaire détaillé est disponible sur la page de l'éditeur.

Malheureusement nous n'avons pas encore pu nous procurer un exemplaire de ce petit nouveau de la presse, nous ne pourrons donc rien en dire quant à son contenu (qui semble alléchant d'après son sommaire) ! En revanche, ce que nous pouvons d'ores et déjà remarquer, c'est la très nette proximité des noms entre le site que vous êtes en train de lire... et ces Cahiers du jeu vidéo !

Vous êtes peut-être déjà beaucoup à connaître ce magazine en ligne consacré au jeu vidéo. Mais peut-être êtes-vous de ceux et celles qui n’ont pas encore fait cette rencontre. Dans ce dernier cas, on ne saurait trop vous recommander la lecture de Sanqua. Pour commencer, c’est très simple, il vous suffira juste de choisir un format de téléchargement : sur PC, au format PDF. Une envie de lecture sur la PSP ou la NDS ? Aucun souci ! Sur le mobile... pas de problème non plus ! En prime, vous voulez être prévenu de l’arrivée d’un nouveau numéro ? Il suffit de s’inscrire à l’« alerte Sanqua » !

Outre un éventail des formats de lecture, c’est le contenu qui retient tout particulièrement l’attention. Le magazine suit des cycles comportant plusieurs numéros. Après les cycles EXPERIENCE MONOMYTH et ALPHA-OMEGA, c’est actuellement le cycle HORIZONS qui se déroule. Le numéro 16 de ce dernier est en téléchargement depuis le 10 juillet, avec au programme un article critique particulièrement intéressant sur la loi HADOPI.

Sanqua prouve à chacun de ses numéros qu’il est l’un des rares lieux aujourd’hui où la critique vidéoludique s’exprime de façon originale et indépendante. Et même si de-ci de-là on note qu’un travail de correction un peu plus rigoureux ferait disparaître des coquilles, on pardonne aisément à un magazine qui ose offrir un point de vue. Car c’est assurément une denrée rare.

L’énième opus de la série des GTA, GTA IV, est sorti fin avril 2008. Succès commercial, succès critique (en quantité et en qualité), et succès de la contestation du côté des lobbies anti jeu vidéo, sont, une fois encore, au rendez-vous. Suite sans continuité ? Rupture dans la continuité ?

L’opus de la maturité

Première déambulation dans les rues de Liberty City. Une forte impression de tension se dégage au contact de ses habitants. Un frôlement, une hésitation dans le pas, un regard peut-être et c’est immédiatement que l’on se fait tancer : par un geste, une parole. Niko Bellic, notre ultime avatar des urbanités occidentales, sait d’entrée que les lois de Liberty City ne sont plus celles de CJ dans San Andreas (GTA III). Entre temps, la technique des jeux vidéo a changé : on parle maintenant de « Next Gen » et de réalisme plus sophistiqué. Mais surtout, entre GTA III et GTA IV, nos sociétés ont changé elles-aussi et les créateurs du jeu avec ! Ainsi, ça n’est pas l’évolution technique qui frappe de prime abord. C’est bien plutôt cette extrême maturité dans les propos de GTA IV. Au point que certains joueurs y perdent leur latin vidéoludique : ils ont du mal à se reconnaître dans cet immigré qui débarque du vieux continent, mal habillé, mal rasé, presque sale gueule. Et ça, c’est bien une première belle prise de risque de la part de Rockstar Games : nous faire endosser le costume étriqué et peu reluisant de l’Étranger.

Pour le reste, on adoptera le mot d’amélioration : interactivité, graphisme (le glissement de la lumière sur les voitures, ou bien l’eau, par exemple, sont magnifiques), musiques, système de visée. Le « bac à sable » ne s’étend pas nécessairement en quantité, mais il gagne en qualité des détails, et toujours sans aucun temps de chargement !

La morale au temps des jeux vidéo

Tuer ou ne pas tuer. C’est un choix qui s’offre à plusieurs reprises. Notre décision est la stricte expression de ce libre arbitre. Qu’importe l’influence de ces choix sur le cours de l’évolution du jeu, car la question ne se pose pas en réalité, ou ne se pose plus ici. Seule la question morale persiste : est-ce utile de tuer l’ex-petite amie de Dwayne lors d’une mission placée sous le signe de la trahison ? Cette question morale existe parce que les créateurs du jeu ont réussi à tisser une toile relationnelle, qui ne positionne pas le joueur au milieu des primitives actions/réactions d’un quelconque gameplay. Cette toile relationnelle opère grâce aux « outils sociaux » du jeu : dialogues, téléphone portable, internet. Est-ce que l’on oserait dire que GTA IV se « simsise » dans ses enjeux sociaux ? Franchirait-on cette frontière un peu provocante de la comparaison ? On se contentera juste de poser la question. Et on constatera que le fait d’instiller fortement cette idée du choix moral grâce aux enjeux sociaux dans GTA IV est une autre belle prise de risque. Car le joueur ne peut plus se contenter de jouer, il doit désormais se demander qui il est et ce qu’il fait dans ce hic et nunc, dans cette ville et dans ce monde. Il ne peut plus, comme dans les opus précédents, être uniquement tourné vers lui-même. L’Autre est une nécessité, handicapante ou vitale.

La figure de l’immigré

Cet Autre, c’est aussi soi (joueur endossant la peau de Niko Bellic), cette figure de l’immigré. Cet immigré est censé nous faire prendre conscience de quoi ? Qu’il est tout d’abord une parabole de l’humanité dans les sociétés dites « modernes ». Il est là, dans nos gestes et nos paroles, et il permet d’objectiver l’être que l’on est dans ces sociétés contemporaines actuelles. Il nous dit que le rêve de vie dans une société occidentale est un phantasme quand on en est exclu, une violence quand on y est finalement entré. Il est seul contre tout et tous. Il est l’individu et l’individualité dans la masse. Exclu la plupart du temps, il est cependant un indicateur fondamental de la santé globale et de la dynamique d’un lieu de vie. Oser nous « forcer » à incarner ce personnage est un pari très risqué pour des créateurs de jeu vidéo aujourd’hui, où les univers sont globalement assez lisses et ne posent sûrement aucune question de ce genre. Et même si le succès était garanti d’avance pour la franchise GTA, rien n’obligeait ses créateurs à vouloir que le joueur adopte ce point de vue politiquement peu correct : dans ces forteresses qui se ferment de plus en plus à l’autre, l’immigré met en lumière ce que l’on ne veut pas voir : un libéralisme à outrance où seul l’argent est roi (Niko Bellic se fiche bien de savoir pour qui il travaille, pourvu que l’argent coule à flots).

GTA IV, le paradoxe

Jusqu’ici la série des GTA n’était pas politiquement correcte parce qu’elle questionnait sur la relation entre violence et jeu vidéo. Là se cristallisait le discours des uns et des autres. Dorénavant, on ne pourra plus se contenter de cet unique discours. GTA IV va au-delà. C’est la question de la violence sociale générée par la mondialisation ; de la violence faite à l’étranger sous couvert d’une pseudo libre circulation des personnes. C’est au final la question de ce que nous sommes et de ce que nous faisons, nous, dans les sociétés occidentales contemporaines.

N’est-ce pas paradoxal que l’un des jeux les plus vendus au monde soit peut-être actuellement le jeu qui propose les réflexions les plus intéressantes sur les thèmes du libre arbitre, de la figure de l’immigré, de la ville-forteresse-capitaliste-occidentale, de la relation à l’argent et à l’autre ? Paradoxal, enfin, qu’un pur produit de l’industrie capitaliste des loisirs offre cet espace critique ? Si vous voulez en savoir plus, il faudra de toute façon débourser de quoi payer le jeu... et une console, et une télé, et... bienvenue dans le vrai monde de Liberty City !

Avec God Hand, feu Clover Studio arrive au terme d'une vie marquée au départ par l'empreinte de la série des Viewtiful Joe. Et entre ces deux titres : un coup de maître intitulé Ōkami...

Clover Studio, vous le savez peut-être, c'est tout d'abord le nom d'un studio dirigé par trois des plus grands noms de la création vidéoludique actuelle : Shinji Mikami (Resident Evil), Atsushi Inaba (Steel Battalion) et Hideki Kamiya (Devil May Cry). Mais c'est aussi cette filiale de Capcom dont la fermeture -décidée par Capcom même- a pu sembler totalement incompréhensible. A la fin de l'année fiscale 2007 (au mois de mars), Clover Studio n'existera plus, et entrera fort probablement au panthéon des studios de création de jeux vidéo dont le nom résonnera encore longtemps. Ōkami, sorti en avril 2006 au Japon et un an plus tard en Europe (février 2007), participe pour une grande part à la construction de l'aura et de la réputation de Clover Studio. Et ce, à juste titre, puisque rarement un jeu vidéo n'aura offert un tel ensemble de réussites.

Environnement

Une boule de poils, voilà résumé le personnage que vous incarnez ! Un loup, en fait, qui se retrouve plongé dans le labyrinthe des contes et légendes japonaises. La (ré)incarnation dans son corps d'animal de la déesse Amaterasu suffit à l'emmener à travers les plaines du Nippon pour tenter de détruire les forces maléfiques et redonner vie à la vie. Une base de scénario simple, dirions-nous ; mais tellement plus complexe cependant lorsque l'on découvre l'imbrication d'une tradition mythologique japonaise avec la trame du jeu vidéo. Complexité encore lorsque l'on découvre cette tradition mise à l'oeuvre dans le gameplay du jeu : la calligraphie, par exemple, cet art du pinceau qui trace la vie sur une feuille de papier, c'est très exactement votre manette et votre joystick qui vous y initient et qui deviennent petit à petit les éléments centraux de vos actions. Car ce pinceau, avec ces différentes techniques de tracé, vous aide dans vos combats contre les forces du mal, vous aide à faire refleurir les arbres et les plaines du Nippon, vous aide à verser de l'eau dans un seau, ou encore à matérialiser le soleil ou un pont. Comme un instantané photographique, comme une feuille de papier, votre écran, par la simple pression de la touche R1, se « fige » et devient le lieu d'une interaction des plus fortes et des plus directes. L'écran acquiert cette matérialité si rare elle aussi dans le jeu vidéo. C'est à couper court à tous les discours et à toutes les extases sur la console Wii !! Car nous sommes bien sur PlayStation 2 ! Preuve que c'est bien l'inventivité des créateurs qui, au final, fera toujours la différence et que les machines n'auront jamais rien à dire si la création n'existe pas...

Incarnation, apprentissage

Le loup que l'on incarne (« kami » en japonais) est l'enveloppe charnelle d'Amaterasu, déesse du soleil dans le shintoïsme (elle porte par ailleurs le qualificatif « Ōmikami », « grande déesse »). A la fois féminine et masculine (le loup est un loup mais il porte en lui Amaterasu, une déesse), cette enveloppe charnelle est plus accueillante pour le joueur ou la joueuse, dont les questions d'identification par le genre sont évacuées intelligemment par les créateurs pour n'amener ce joueur (terme générique) qu'à se concentrer sur l'essentiel : l'apprentissage de la vie qui est à la source de tout, de la vie quelle qu'elle soit (arbres, soleil, créatures, fleurs, eau, animaux, êtres humains, vent, feu, etc.). Et le joueur peut alors partir à l'aventure du défi de soi dans le monde. Pas de violence gratuite dans cette voie-là, juste des combats nécessaires à la bonne marche de l'ensemble du monde (combats qui participent aussi à l'apprentissage de ce qu'est le mal, finalement). Partir à la rencontre de l'Autre, de tout ce qui nous environne, nourrir les animaux, rendre service aux gens des villages, purifier l'eau des plaines, évaporer la brume qui entrave la vision... : il s'agit de comprendre qu'un acte réalisé à un endroit a peut-être une répercussion ailleurs. Tout cela n'est pas faire le bien niaisement ; c'est plutôt faire l'apprentissage de ce que nous sommes et de l'importance de nos actes. Voilà un jeu qui simplement nous ramène aux valeurs universalistes. Et quelle autre technique que le cell-shading dans le parti pris esthétique pouvait le mieux (re)transmettre ce point de vue ? C'est très certainement une esthétique que tout un chacun peut lire et comprendre, quelle que soit sa condition sociale, culturelle, géographique, philosophique, etc.

Permanence, impermanence

S'impliquer fortement ou ne pas s'impliquer du tout dans cette aventure universaliste induira la durée de vie du joueur que vous serez. Car la moindre parcelle des vastes plaines du Nippon regorge de nouvelles propositions d'apprentissage : que vous décidiez d'aider un villageois, de faire refleurir un coin ou de trouver des perles précieuses. Rarement un jeu vidéo n'aura réussi à ciseler autant les détails et la précision... jusque dans la carte, qui, lorsque vous appuyez sur la touche L2, apparaît en transparence alors que vous pouvez continuer à jouer et à vous déplacer ! Et jusque dans les éléments sonores : la musique (composition gigantesque et tellement riche), les voix (des sons plutôt, aux tonalités et aux personnalités très variées ; cette réinvention du langage montre d'ailleurs toute l'intelligence des créateurs), enfin les bruitages divers ajoutent à l'originalité de cet environnement aussi subtil qu'immersif.

Enfin, nous avons là un jeu d'autant plus rare qu'il permet l'accès aux principes de permanence et d'impermanence que l'on retrouve dans le bouddhisme : toute chose est « impermanente » et s'inscrit par là dans un cycle perpétuel de (re)naissance/mort/(re)naissance. Ōkami relie dans ses moindres détails la mythologie, le jeu et l'existence même du joueur dans un monde imaginé qui inscrit durablement son empreinte dans la vraie vie. Ce jeu fait immanquablement prendre conscience qu'à travers les temps, les récits et les modes d'expression, il n'y a qu'une seule ligne conductrice : le mouvement perpétuel de la vie !

S'il ne devait y avoir qu'un seul jeu dans votre ludothèque, ce serait Ōkami !

{Article publié le 14 mars 2007}

Rez, Lumines, Lumines II, Meteos, et puis... Every Extend Extra, ou E3 . Point commun de tous ces jeux : Tetsuya Mizuguchi. Grand manitou du studio Q Entertainment, il fait partie de ces rares créateurs à nous offrir des jeux singuliers, où musique(s) et image(s) sont pensées à égalité et perçues comme des matières créatives qui méritent la même noblesse de traitement. En janvier 2007, donc, arrivait chez nous Every Extend Extra, conçu pour la console PSP. Alors, nouveau concept destiné uniquement aux fans de Mizuguchi ? Jeu aussi prenant qu'un Lumines ou un Rez ? Nouvel OVNI des ludothèques ?

Relooking extrême

EEE (un autre petit nom) n'est pas un concept original de Q Entertainment. Il s'agit au départ d'un jeu plus ancien, intitulé Every Extend (E2, ou EE), réalisé par un jeune étudiant et qui a fini entre les mains d'un employé de Q Entertainment. Le studio de Mizuguchi, très vite contaminé par l'aspect « addictif » de ce jeu, décida de réaliser une version PSP (si vous vous rendez sur le site du jeu, vous pourrez voir une petite vidéo d'une interview de Mizuguchi qui explique toute l'histoire).

Mais le concept du jeu original, qui semble avoir passionné tant de personnes au point qu'elles ont voulu nous faire partager cette expérience, ça consiste en quoi ? C'est très simple : vous incarnez une forme géométrique (qui rappelle une rose des vents), un vaisseau spatial en fait, qui au fil des niveaux va devoir combattre contre les diverses attaques géométriques/spatiales. Ici, pas de tirs à la Space Invaders : la petite subtilité est que vous devez faire exploser votre « forme géométrique-avatar-vaisseau spatial » pour éliminer l'environnement hostile. Chaque niveau a des contraintes de temps et de quantité de vaisseaux disponibles, ce qui, selon votre habileté, vous fera très vite pester ou passer au niveau suivant !

EEE, la version mizuguchienne, fait en tout premier lieu honneur à son aîné puisque la version originale est jouable via le menu du jeu. Il est donc possible, et c'est très honnête comme démarche, de comparer l'original à la version « relookée ». Eh oui, j'ose le mot « relookée » ! Car vous l'aurez compris, du point de vue du gameplay « primaire », le jeu n'a subi quasiment aucun changement. Tout l'art de Mizuguchi va donc résider dans sa capacité à « relooker » l'original par l'image et le son.

Le savoir-faire Q Entertainment

Image nourrie par le son, son nourri par l'image, interaction entre les deux médias, voilà un sujet qui n'est définitivement pas étranger à Mizuguchi. Tout son art repose sur ce savant mélange. Complémentarité, conflit, tout est fait pour que chaque instant du jeu soit une expérience nouvelle. Du point de vue de l'image, les différents niveaux, grâce à un mélange esthétique de culture pop et de high tech, sont rythmés par des variétés d'habillages qui évitent une chute trop rapide vers le sentiment de répétition. La musique, toujours orchestrée chez Mizuguchi de telle façon que l'on a le sentiment d'en être le déclencheur par nos actions de jeu, est elle aussi le pilier, la colonne vertébrale de l'ensemble. Une fois encore avec EEE, on a l'étonnante sensation d'être le créateur/démiurge de l'univers du jeu. Image et son organisent donc cette machine vidéoludique au gameplay simple, voire simpliste pourront dire certains. Mais c'est l'expérience de l'instant qui compte, et la magie Mizuguchi opère une fois de plus !

Et sur l'ensemble du jeu? Eh bien, une difficulté mal dosée, un léger manque de précision. On regrettera en effet qu'une certaine focalisation se soit effectuée sur le look et que l' « amélioration » de certains aspects du gameplay ait été laissée de côté. Ce qui pourrait laisser sous-entendre que ce jeu est destiné aux fans avant tout, ceux qui excuseront ces quelques défauts en prenant plaisir à se replonger dans une nouvelle expérience signée Mizuguchi. Cependant, fan ou pas, dès la console éteinte une seule envie nous tenaille : retourner dans le jeu pour passer ces satanés niveaux, voir ce qu'il y a au-delà, découvrir les autres métaphores colorées et les autres compositions musicales de Uscus, Qp ou h ueda. Ces abstractions qui mènent à la métaphysique. Car c'est peut être ça, une fois encore, le savoir-faire Q Entertainment : faire entrer la philosophie dans l'environnement du jeu vidéo.

{Article publié le 7 février 2007}

Je voudrais vous faire part de l'expérience de jeu qui m'a amenée à constater l'émergence du concept de jeu vidéo « jetable » dans l'univers des nouvelles consoles de Nintendo. La DS, et maintenant la Wii, sont indéniablement des consoles porteuses de nouveaux modes de jeu et de nouveaux modèles marketing. Pour la première il s'agit de commencer à intégrer le corps, et en particulier le toucher, dans un gameplay faisant intervenir le stylet. Pour la seconde, il s'agit d'intégrer le corps quasiment dans son intégralité par l'interactivité provoquée par la Wiimote et le Nunchuk. Mais ces « nouvelles façons de jouer » ne sont rien de plus que les nouveautés d'un gameplay greffées sur un support qui reste une console, et donc du jeu vidéo. On joue différemment, oui, mais on joue à quoi en définitive ?

Le concept est plus fort que le contexte

On joue tout d'abord à un concept fortement marketé. Pour les deux consoles, outre donc ces nouvelles façons de jouer, Nintendo est en train de déplacer le concept de sociabilité et de convivialité vers le jeu vidéo. Est-ce dû historiquement à la position de l'entreprise Nintendo qui, à ses débuts en 1889, fabriquait des jeux de société, et en particulier des jeux de cartes ? En tous les cas, Nintendo s'inscrit indéniablement dans la droite lignée du jeu que l'on pratique à plusieurs, et si possible en famille, tout en transcendant les clivages sociaux et les âges. Nintendo poursuit ici dans les loisirs électroniques une ancienne tradition. Cependant, allier tradition et nouveauté ne doit pas faire oublier les spécificités du sujet « jeu vidéo ». Et là, je dois avouer que cet oubli de ce qui est propre au jeu vidéo a gâché la plupart de mes expériences sur ces consoles.

L'ennui

La principale manifestation de tout ça est l'ennui. Pourtant, ça n'est pas faute d'avoir essayé et d'essayer encore ! La DS me tombe bien souvent des mains au bout d'une demi-heure, une heure de jeu. N'étant pas très fan des Mario et consorts et autres portages de la maison Nintendo, je m'enthousiasmais de l'arrivée de jeux comme Metroid Prime, Trauma Center : Under The Knife, Electroplankton. Des concepts que je trouvais tout à fait originaux pour une console offrant un gameplay si révolutionnaire. Hélas, ces jeux, qui restent mes expériences préférées, n'auront pas empêché le lâcher de console. Car oui, le concept est fort, oui les développeurs sur cette console ont crée des jeux que l'on ne trouvera nulle part ailleurs. Mais la mayonnaise ne prend pas. Je ne fais paradoxalement pas corps avec le jeu : trop de gestes répétitifs, de mécaniques de jeu dont on présume trop vite du déroulement. Trop peu de maturité aussi. Car c'est bien à l'enfant qui sommeille en nous à tous les âges que Nintendo compte bien s'adresser.

Pour la Wii je fais malheureusement le même constat. Certes cette console vient juste d'arriver chez nous et n'a pas encore eu le temps de prendre ses marques. Mais force est de constater qu'au vu du line-up de ce début d'année 2007, on a la légère impression de revivre la DS en plus grand. La politique de Nintendo ne s'adresse plus à ce joueur aventurier et sauvage qui passait de longues heures solitaires à découvrir un univers. C'est à un joueur nouveau que s'adresse Nintendo, un joueur définitivement socialisé, encadré, appréhendé directement dans son réseau de relations familiales et amicales. Non pas que je sois contre la pluralité de ce que l'on peut nous proposer à nous joueurs et joueuses, bien au contraire : que cohabitent ensemble ces politiques diverses, qu'elles proviennent de Microsoft, Sony ou Nintendo, ne peut être qu'une bonne chose. Cependant, je regrette juste le fait que se dessine un appauvrissement du contenu vidéoludique par Nintendo à force de ne se concentrer que sur la forme: intuitivité, convivialité, certes, mais néanmoins mécanique répétitive, accompagnée dans le fond par moins de contenu et de découverte. Le joueur devient une manette à taille humaine -au sens propre!-, ce qui est en soi révolutionnaire, mais la manette d'un jeu appauvri...

Le devenir

Je me sens forcée de constater que Nintendo est actuellement en train de participer à la création du concept de jeu jetable : celui avec lequel on joue pour passer le temps et non pour se nourrir d'une expérience forte ; celui avec lequel il vaut mieux jouer en famille et pas individuellement ; celui qui, par extension, est consensuel, puisque familial ; celui qui fait que l'on se souviendra du moment passé avec autrui et pas du jeu en lui-même. Le jeu que l'on peut jeter facilement (vendre c'est mieux, je sais !) ou oublier dans un coin. Prenons un peu de recul et, sans passion ni prise de position partisane, réfléchissons au devenir de la politique du jeu vidéo telle qu'élaborée aujourd'hui par Nintendo. Et posons-nous la question de la pérennité de la Wii, par exemple, d'ici quelques mois ou années. En dehors d'une brèche ouverte dans ces fameuses nouvelles façons de jouer, je ne suis pas sûre aujourd'hui qu'il restera autre chose du jeu vidéo made in Nintendo que son entrée dans l'ère du jeu jetable. Certes, c'est une autre façon de jouer, c'est indéniable. Mais en y réfléchissant bien, ai-je vraiment envie de ça ?

{Article publié le 14 janvier 2007}